Er war der aggressivste, kompromissloseste, radikalste und avantgardistischste Jazzmusiker des europäischen Free Jazz (auch wenn ihm der Begriff nicht gefiel). Und er war so laut, dass er Menschen dazu inspirierte, ein Verb für seinen Saxophonstil zu kreieren ( zu brötzen, was sich auf die unermüdliche Art bezieht, mit all der Kraft, die er hatte, Saxophon zu spielen). Das Erstaunlichste an ihm war vielleicht, dass man eines seiner Konzerte nie auf die gleiche Weise verließ, wie man es betreten hatte. Vielleicht ist es das, was einen wirklich großartigen Musiker ausmacht – dass er seine Zuhörer immer wieder verändert. Peter Brötzmann hat immer versucht, den Erwartungen nicht gerecht zu werden. Dazu gehört auch das gelegentliche Scheitern. Am 22. Juni ist diese Ikone der improvisierten Musik verstorben und hat eine echte Lücke in der Musiklandschaft hinterlassen. Das Free Jazz Collective verneigt sich vor diesem großartigen Musiker, indem es unsere Lieblingsalben rezensiert.
– Martin Schray
Peter Brötzmann Oktett – Maschinengewehr (BRÖ, 1968; Cien Fuegos, 2018)
Niemand, der den Anfang dieses Albums gehört hat, wird ihn jemals vergessen.
Maschinengewehr
Das 45-sekündige Intro stellt eines der markantesten Hörerlebnisse des Jazz dar. In vielen Fällen nutzt sich sogar raue Musik im Laufe der Jahre ab und wird umso schöner und hörbarer, je mehr man sie hört. Mit
Maschinengewehr
Dieser Leitgedanke ist außer Kraft gesetzt, denn die Musik hat nichts von ihrer zerstörerischen Kraft eingebüßt. Bis heute widerspricht es den meisten Hörgewohnheiten, Jazzkonventionen und Marketingstrategien: Auch 55 Jahre nach seiner Erstveröffentlichung Maschinengewehr ist eine überwältigende, brutale, manchmal kaum erträgliche Platte. Die Hörner dröhnen unaufhörlich, wir hören reinste Energie, die Frequenzen des Saxophons sind zum Schlagbohrer mutiert. Laut gespielt, muss dies der Klang der Trompeten und Posaunen gewesen sein, die die Mauern von Jericho zum Einsturz brachten. Für Liebhaber des traditionellen Jazz ist es die Inkarnation des Teufels. Und wer dieses Album hört, weiß warum. Es ist eine der wenigen Platten, die auch heute noch einen Raum zum Brennen bringen kann, möglicherweise nur vergleichbar mit Jimi Hendrix‘ Version von „Star Spangled Banner“.
Auch wenn Brötzmann später eine politische Dimension der Aufnahme verneinte, sagte er dem Downbeat Magazine anlässlich des 50-jährigen Jubiläums der Platte doch noch etwas anderes: „Es gibt keinen Widerspruch zwischen Schöpfung und Zerstörung. Ich hätte nie gedacht, dass Musik eine heilende Kraft des Universums ist. (…) Wir wollten Dinge ändern; Wir brauchten einen Neuanfang. In Deutschland sind wir alle mit dem Gleichen aufgewachsen: Nie wieder. Aber in der Regierung waren immer noch dieselben alten Nazis da. Wir waren wütend. Wir wollten etwas machen.“ Das Album ist jedoch nicht nur ein musikalisches und politisches Statement. Maschinengewehr war auch produktionstechnisch ein Meilenstein. Bis heute gehen viele davon aus, dass es ein Konzert in der „Lila Eule“ in Bremen gab, dem Ort, an dem das Album aufgenommen wurde. Tatsächlich aber waren die Musiker angereist, um den Club als Studio zu nutzen. Damals waren unkommerzielle Aufnahmemöglichkeiten bei weitem nicht so verfügbar wie heute, und die Musiker – übrigens die Crème de la Crème des europäischen Free Jazz – nutzten die Gelegenheit, um dort zwei Tage lang aufzunehmen. Das Album ist einer der Anfänge einer Welle von Selbstveröffentlichungen und der Bildung unabhängiger Labels im Bereich Avantgarde und Free Jazz in Europa. Ein Wahrzeichen – in vielerlei Hinsicht.
– Martin Schray
Peter Brötzmann Sextett/Quartett – Nipples (Calig, 1969); Mehr Brustwarzen (Avatistic, 2003)
Ich stelle mir vor, diese Alben sind Prüfsteine für viele von uns Fanatikern. Es ist vielleicht eine der großartigsten Sessions mit frei improvisiertem Sound, die jemals auf Band aufgenommen wurden. Kraftvoll inspirierte Musik, gespielt mit absoluter Eindringlichkeit und Intensität, von einer einzigen Besetzung, die es nur geschafft hat, diese eine Session zu produzieren (zum Glück für uns). Auf diesen Alben wird Brötzmann von seinen Legendenkollegen Evan Parker, Derek Bailey (bei den Sextettstücken) sowie Fred Van Hove, Han Bennink und dem legendären Globe Unity Orchestra-Mitbegründer Buschi Niebergall am Bass begleitet. Die Musik ist, wie Sie wissen, eine heftige und heikle Angelegenheit. So viele Behauptungen und Fragen, Tänze, Meinungsverschiedenheiten, Irreführungen – alles im Namen der guten alten Katharsis. Die Band verknotet sich zu steifen Spannungsknoten, wischt durch die schiere Kraft ihres Spiels regelmäßig die Schiefertafel sauber und durchbricht Mauern des Stillstands in erleuchtetere Räume. Auch wenn die Quartett-Tracks nicht ganz mit der Magie der Sextett-Stücke mithalten können, sind sie dennoch herrlich prickelnde Werke des Brötz/Van Hove/Bennink-Trios plus Niebergall. Ein weiterer Aspekt, den man in der heutigen Zeit des einfachen Lebens, in der nahezu jede Musik sofort verfügbar ist, leicht vergisst, ist die Tatsache, dass die Original-LP einst äußerst selten war und etwa 30 Jahre lang vergriffen war. Zum Glück ist das nicht mehr der Fall und wir alle können unsere Trommelfelle regelmäßig von diesen Meistern peelen lassen. Es ist definitiv einer von Brötzmanns frühen Karrierehöhepunkten, und obwohl es nicht ganz so monumental ist wie Maschinengewehr
Was es liefert, ist eine differenziertere Version seines Archetyps.
– Nick Metzger
Peter Brötzmann, Fred Van Hove und Han Bennink sowie Mangelsdorff – Live in Berlin ’71 (FMP, 1971, 1991)
Eine frühe Live-Aufnahme von FMP mit dem frühen Brötzmann-Trio, ergänzt durch den großartigen Albert Mangelsdorff. Die Konzerte vom 28. und 29. August 1971 wurden ursprünglich auf drei LPs veröffentlicht, Elemente (FMP 0030), Couscous de la Mauresque (FMP 0040) und Das Ende (FMP 0050). Die Single-Veröffentlichung, jetzt bekannt als Lebe in Berlin ’71sollte auf jeder Liste der besten FMP-Alben ganz oben stehen. Da sich beide Spieler noch relativ früh in der Entwicklung befinden, handelt es sich dennoch um eines der besten Alben improvisierter Musik. Brötzmann klingt super roh und intensiv, aber es gibt eine sehr klare Vorstellung davon, was er zu tun versucht und wohin er gehen könnte. Im Laufe der folgenden Jahrzehnte können Sie hören, wie diese Ideen auf faszinierende Weise rekapituliert werden, die wir gerade erst zu verarbeiten begonnen haben.
– Lee Rice Epstein
Schwarzwaldfahrt – Peter Brötzmann & Han Bennink (FMP, 1977; Trost, 2022)
Wohl eines der wichtigsten Dokumente in der Karriere beider Künstler (und in der Geschichte der improvisierten Musik). Es wurde zweimal neu aufgelegt, zunächst in einer erweiterten Veröffentlichung von Atavistic und kürzlich in einem aktualisierten Buch mit zusätzlichen Fotos und neuem Text von David Keenan. Schwarzwaldfahrt ist sowohl ein heiliger Gral als auch ein Rosettenstein, ein wolliges Biest und ein kostbarer Edelstein. Es ist möglicherweise das Album, zu dem ich in meinem laufenden Projekt, die Musik von Brötzmann und Bennink besser zu verstehen, am meisten zurückgekehrt bin.
– Lee Rice Epstein
Peter Brötzmann, Harry Miller, Louis Moholo – Geöffnet, aber kaum berührt (FMP, 1981; Cien Fuegos 2014)
Brötzmanns Vorliebe für das Trio-Format geht auf seine Anfänge zurück, als er 1967 sein Debüt aufnahm, und auf seine wahnsinnige Supergruppe mit Schlagzeuger Han Bennink und Pianist Fred Van Hove, die aufgrund der ständigen Reibungen zwischen den dreien abrupt endete (etwas, das vielleicht passieren könnte). passieren, wenn Alpha-Hunde aufeinanderprallen, wie Brötzmann es ausdrücken würde). In den darauffolgenden Jahren pendelte Brötzmann zwischen verschiedenen Gruppen hin und her, doch wirklich zufrieden war er erst 1979, als er in zwei Musikern die perfekten Partner fand, die seine Spielauffassung veränderten, indem sie ihre südafrikanischen Wurzeln mit seiner Musik verbanden. Mit Harry Miller (Bass) und Louis Mofolo (Schlagzeug) war Brötzmann sehr zufrieden, da er sich musikalisch in einer Sackgasse befand und die beiden ihm eine Perspektive abseits der ausgetretenen Pfade boten. Leider hielt das Trio nicht so lange durch, wie er es sich gewünscht hatte (wegen Millers tragischem und vorzeitigem Tod). Die Erfahrung, insbesondere mit Louis Moholo zu spielen, war für ihn jedoch entscheidend und erneuerte oder besser gesagt vertiefte seine Wertschätzung für das afroamerikanische Trommeln, wie er meinem Freund Ernst Nebhuth nach einem Konzert in Dachau erzählte. Man muss sich nur das erste Stück „Eine kleine Nachtmarie“ anhören und weiß, was er meint. Moholos Schlagzeug klingt, als würde ein heftiger Regen auf ein Wellblechblech niederprasseln, Miller kontert mit abstrakten Bogenformen und Brötzmanns lange, ungewöhnlich elegante Linien zeigen ihn von einer ganz neuen Seite. Auch das Titelstück ist eine Studie über Geduld. Die ausufernden Spannungsbögen erzeugen eine andere Wärme und Interaktionstiefe, die man von Brötzmanns anderen Trios nicht kennt. Auch wenn hier und da der alte Feuerspucker durchschimmert, offenbart sich Brötzmann als elegischer Melodiker, der sowohl von Albert Ayler als auch von Ben Webster und natürlich vom Blues schöpft. Er ist technisch viel versierter, seine Spielweise ist offener. Von diesem Trio gibt es nur zwei Alben.
Geöffnet, aber kaum berührt
vereint zwei Live-Aufnahmen aus dem Jahr 1980, und nicht nur ich hätte gerne gesehen, wohin ihr Weg sie geführt haben könnte.
– Martin Schray
Für mich war Last Exit eine Initialzündung, es ist die Band, durch die ich letztendlich für den Free Jazz gewonnen wurde (und mit der ich erstmals auf Peter Brötzmann gestoßen bin). 1986 wurde das Projekt vom Bassisten Bill Laswell ins Leben gerufen, der zu dieser Zeit einer der angesagtesten Produzenten im Musikgeschäft war (Material, Herbie Hancock, später Mick Jagger, PIL, Motörhead usw.). Ähnlich wie beim Rock war Last Exit eine Free-Jazz-Supergroup, die dem Genre eine unerwartete Blutspritze verlieh. Laswell nannte es „Collision Music“, er wollte vier musikalische Alpha-Hunde loslassen, um die Funken fliegen zu lassen. Und auf ihrem Debüt ließen Brötzmann, Laswell, Sonny Sharrock (Gitarre) und Ronald Shannon Jackson (Schlagzeug) sie fliegen. So etwas hatte es vorher noch nie gegeben und auch seitdem nicht mehr. Der Reiz des Ganzen lag für Brötzmann vor allem darin, dass er hier etwas völlig Neues für sich gefunden hat. Mitte der 1980er Jahre erkannte er, dass völlige Freiheit an sich schon einschränkend sein kann, und suchte nach einer Alternative zum traditionellen Free Jazz (ähnlich wie bei seiner Zusammenarbeit mit Oxbox im Jahr 2018). Der Ansatz von Last Exit bestand darin, von spontan geschaffenen, rauen und harten Formen auszugehen – Blues („Catch As Catch Can“ könnte ein Cream-Riff sein, bevor es völlig ausläuft), Hardrock oder New York No Funk, der sich in einem kollektiven improvisatorischen Durcheinander auflöst bevor die Musiker zurückerobert werden und die Musik wieder etwas Struktur bekommt („Pig Freedom“). Auch wenn ein Großteil der Musik improvisiert war, erinnerte die Basis immer an das Songformat. Laswell und Ronald Shannon Jackson sorgten für den fast klassischen rhythmischen Rahmen und trieben Brötzmann und Sharrock gnadenlos voran, die mit Kreischen, schrillen Tönen, Kreischen und brutalem Lärm reagierten. Bei „Last Exit“ gab es kein Pardon, es war immer pure Intensität. Mehr noch: Es zeigte Brötzmann, wie gut sein Sound in einen solchen Kontext passt. Die Band existierte von 1986 bis Anfang der 1990er Jahre, Sharrocks Tod im Jahr 1994 war der Grund für die Auflösung.
– Martin Schray
